Italian Japonism: a weighted analysis or a trend?


Just less than ten years before the first performance of the well-known opera by Giacomo Puccini, Madame Buttefly, another Italian composer presented his way to see the East. The Mascagni’s opera called Iris was the first Italian opera set in Japan, performed for the first time in Rome in 1898.  The story, written by the famous and active writer of Opera’s texts Luigi Illica, is originally based on a Japanese legend and inspired by Hokusai’s ukiyo-e The Dream of the Fisherman’s Wife. Iris is a young innocent Japanese girl who lives in Fujiyama with her blind father. The first scene starts with the bright sunrise hitting the beautiful girl, woken by a nightmare in which monsters sought to injure her doll. Eventually she draws attention of a noble called Osaka, who wants to possess her. Helped by Kyoto, a questionable brothel keeper, he tries to enchant Iris with a marionette show and finally conducts her, fascinated and still confused, to Yoshiwara, district of pleasure and perdition. After several failed attempts act to seduce the young girl, he becomes impatient: in her purity, she remain unconscious of the significance of his words and caresses. At first she thought he was Tor, the sun god, because of his brilliant attire, but he tells her he is Pleasure. Since one day, in the temple, a priest told her that pleasure and death were one, the words of Osaka frightens her. He finally leaves her and Kyoto turns her into a “ghèshua”, showed in the “Green House”. Her father finds Iris and unaware of everything curses his daughter, who, shamed, leaps from a window into the sewer below. Dying, she praises the sanctity of the Sun, which embraces her with its warmth and light before she was absorbed by the blooming Nature.


Iris was composed during the most active period of the Italian and European lyric world: a century of constant changes not only of musical trends but artistic in general[1], influenced by historical events and international relations. The Romantic period, characterized by the will of the composers to convey strong messages of social and political unity, trying to teach a moral lesson, and the realism/naturalism in which the main aid was to depict the daily life of common people, especially the poverty of the south Italy’s people. At the end of the XIX century another movement developed in contrast to the previous one, the Decadents: all hopes of redemption were abandoned together with optimism.

The audience of the Opera at that time embraced all social levels: since it described changing social conditions of all kinds of people, it became a social and costume phenomenon, drawing attention of the upper class as well as the middle and lower class. Editors and composers paid attention to the trends of the period and tried to satisfy the expectations of the audience.

That was the period of colonialism as well, and even if western countries already knew the East, thanks to the shipments of Portuguese missionaries two centuries before, it was in the XIX century that the idea of “Orientalism” spread. As it is said by Gilles de Van, the more general term of “Exoticism” is nothing else but the notion of the difference; a process of knowledge that transform into a metaphor of desire as a wish to escape from a unsatisfactory bourgeois civilization as it was developing at that time. This dissatisfaction gave rise to boredom and the desire for a more attractive elsewhere. The fact that were mostly man (writers, musicians, literates and travelers) searching for exotic woman, can be seen as a reaction for bourgeois Puritanism to the moral strictness of the period. The more brutal but healthier energy of unknown countries were more stimulating to the imagination.[2] In the areas of literature and opera (and by extension, of librettos) the shift was very rapid: spatiotemporal vagueness was replaced by a more precise citing of local with details of local colors; at the same time characters became more individualized and described with signs of their place of origin. However, a traveler as a writer or a musician was not necessarily an anthropologist and could observe behavior without being aware of its historical and social contexts. Hence, each country or city acquired a certain number of clichés which made it seem exotic[3].

The opera of Mascagni is not the first Oriental based work of the century in the western world: Saint-Saens’s La Princesse jaune (1872), Gilbert and Sullivan’s Mikado (1885) with the traditional japanese song Ton’yarebushi, Pierre Loti’s novel Madame Chrysathème (1893) are just some of those which touched on Japan.[4] However, compared with others, and especially with Madame Butterfly, Iris seems to be the opera less involved in Orientalism, or at least, that one which needs more efforts to see or recognize Japan in it, starting from the title.


Reading the title, in fact, we cannot imagine that it is a Japanese based opera: the Iris is a common flower in Italy too and although it has symbolism also in Japan, this flower is not automatically associated with it. It is nevertheless significant if analyzed in the period context: the iris was a flower important in the Japanese decorative arts and became almost the emblematic image of art nouveau, so that the Japanese setting offered a rich vocabulary of visual and poetic images and the opera of Mascagni and Illica can be considered as the only Italian art nouveau opera as well. According to Illica’s description of his libretto as a Japanese subject taken from the legend “The girl in love with flowers”, even some eminent scholar of Japanese studies as Donald Keene struggled to find the Japanese origin of the story: it does not seem there are similar in any readily available collection of Japanese legend or folk tales, even if there were many phony Japanese stories in circulation at the time.[5] While Illica did efforts to create a Japanese atmosphere citing references to shamisen, kamuro and Edo’s Shimonoseki market, he had no truly interest in recreating an authentic Japanese environment. Moreover, the decision to name his leading characters with the Japanese most known cities at that time, Osaka and Kyoto, rather than give them credible Japanese names, and the pronunciation富士山(Fujisan) as “Fujiyama”, could be confused with ignorance and offhand gesture. However, it could be suggested that the writer, who travelled to Japan, although he was not a specialist, knew some basic aspects of Japan. That is why Mallach consider the choice as a deliberate reminder that Iris’s Japan is symbolic, metaphorical land, not to be confused with the real thing[6], considering also that originally the opera’s title was The Japanese girl (La Giapponese). Mascagni as well turned on into the study of Japanese music determined to reproduce with music the Land of the rising sun’s colors. His words reflect his ardor in the work of the opera: “I have had typical Japanese music up to here…I am thoroughly Japanesed (sono tutto ingiapponesato). [..] I have studied that type of music a great deal, and I believe that I’ve caught its spirit[7]”. He also had the chance to see and touch Japanese instruments he had never seen before from the collection of Kraus, an Australian writer interested in Oriental studies. He came out of there “with head on fire, with heart full of a strange emotion. […]. I know that in front of that splendid mass of Japanese instruments I glimpsed something grand, solemn, that won me over completely (25 October 1897)”.[8] However, his interest in Japanese music was limited to the creation of musical color reflected in the entrance of the puppet show in the first act and the opening of the second, where violin, flute and harp conjure up a mysterious oriental air, using the shamisen only as a visual decoration. There are no precise statements about it, but it can be assumed that the goal of Mascagni was to make the viewer feel unusual appearances as peculiar timbre of what is geographically distant from the Western audience, to involve him in the world where the small Iris lives. Other Japanese elements present in the opera are the gidayu (the style of chanting with shamisen) used in the puppet show section, and the nagauta (traditional Japanese music which accompanies the kabuki theater) as accompaniment for dance that makes use of a flute and three drums. But even in these cases there is not a realistic transposition of traditional Japanese music and culture because, despite the melodic idea and its treatment are well managed, no geisha would never dance the waltz acted from Beauty and the Vampire in Mascagni’s opera, not only out of shame but also because the ternary division was unknown to the Japanese at that time.[9]

It can be assumed than that setting the opera in Japan served many purposes considering that to Europe of XIX century, Japan was still more an imaginary and mysterious land that part of the modern world. That exotic setting allowed to make the story free of realistic associations and audience to free the imagination. This was probably a response to industrialized world’s censorship and permitted the downplaying of violence and struggle against the status quo. The intent of Opera composers was to move their audiences’ sensibility, make them reflect on the illusions and deception of the world they lived in. The exoticism metaphor of reality satisfies the double need of distancing while sending back to audience a reflection of their society problems and conflicts.[10]

From the reports of the time it seems that this aim has been achieved since audience (composed by all social classes), in contrast to critics, acclaimed the opera despite having been confused by the last act, with strange and far from western classical melodies atonale note. Iris soon won a substantial following in Italy and in Latin America, where Italian Opera was already well-known and where Italian artists, singers went in search of new fortune.  Although the conservative audiences of fin de siècle was captivated by a new and different opera, to today’s audiences it clearly belongs to its time and place, no longer part of the Italian repertory.

In Japan Iris is still today almost unknown, set up for the first time in 1984 and few others representations in 2008 and 2011, with the intent to give credit to Belle Époque Italian’s opera but with an almost different result as the original one presents many recited parts in Italian language which Japanese artists struggle to memorize.

Concluding this analysis, it can be said that Iris loses its value if taken out from its historical and social context in which this opera represented symbolically a visionary and imaginary world (as Japan was considered in XIX century with its many cultural cliché) that became real first of all in the minds of audience, consisting of people who want to share new ideas and social models.


[1] Si bemolle –

[2]Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator), “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993, p. 79.

[3] Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator), “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993.

[4] Cf. Arthur Groos, “Cio-cio-san and Sadayakko: Japanese music-theater in Madama Butterfly”, Monumenta Nipponica, Vol. 54, N.1 (Spring, 1999), pp. 43-44.

[5] Cf. Alan Mallach, Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 124-125.

[6] Cf. Alan Mallach , Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 125-126.

[7] Cf. Allan Mallach, Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 114.

[8] Cf. Michele Girardi, Esotismo e dramma in Iris e Madama Butterfly, Atti della giornata di studi (Viareggio, 3 agosto 1995), Lucca, Pacini, 1996, pp. 37-54.

[9] Cf. Michele Girardi, Esotismo e dramma in Iris e Madama Butterfly, Atti della giornata di studi (Viareggio, 3 agosto 1995), Lucca, Pacini, 1996, pp. 37-54.

[10] Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator) , “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993.


一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 4


Oni no me ni mo namida



Immagine tratta da

Anche negli occhi dei demoni le lacrime

Anche la persone più spietata e senza scrupoli come un demone ha un cuore, come tutti gli esseri umani, che è capace di provare misericordia e compassione.

Nel Sutra del Loto si racconta di un demone femmina, Kishimojin 鬼子母神, che per nutrire i suoi figli rapiva quelli di altre donne senza pietà. Le madri dei bambini rapiti si rivolsero disperate a Shakyamuni che per far capire al demone la gravità del gesto si vide costretto a rapire il suo figlio minore, Binkara. Kishimojin cercò disperatamente e senza sosta suo figlio. Non trovandolo si rivolse a Shakyamuni, che la rimproverò per la condotta malvagia e senza cuore che aveva avuto, facendola riflettere su quanto dolore aveva provocato alle madri dei bambini rapiti e uccisi. Le fece così promettere di non uccidere più bambini e quano lei giurò Shakyamuni le restituì suo figlio. Da allora Kishimojin e i suoi figli si fecero protettori dei devoti del sutra, pronunciando queste parole: «Onorato dal mondo, noi desideriamo proteggere coloro che recitano e abbracciano il Sutra del Loto e liberarli da ogni fatica e da ogni malattia» (Sutra del Loto, XXI cap.)

~Sbocceranno i fiori e sarà primavera~


Si dice che fin dai tempi più remoti i giapponesi siano sensibili al cambiamento delle stagioni, associando umori e sensazioni e adattandosi ad esse. Un’isola dalle temperature clementi e dalla natura rigogliosa, dove per vivere non c’era bisogno di combattere.Perciò questo popolo ha basato la sua esistenza sull’agricoltura, in una terra dove era naturale coltivare lo spirito di collaborazione reciproca.

Nella credenza che tra tifoni e piogge abbondanti di una natura severa risieda la forza di molti dèi, adorano tale natura, ne hanno rispetto e timore.

È dall’antichità che i giapponesi esprimono le delicate sensazioni che le stagioni gli ispirano attraverso poesie, haiku e dipinti, sviluppando termini ed espressioni capaci di esprimere a parole ogni piccolo cambiamento della natura e dell’animo umano.


Divisione delle stagioni

Osservando attentamente il ripetersi ad ogni anno delle stagioni, la gente ha elaborato una grande saggezza per esprimere nel dettaglio questi cambiamenti, dividendo le stagioni in 24 parti e ulteriori 72 mutamenti climatici.

Il vecchio calendario lunisolare (太陰太陽暦 – Taiin taiyōreki), chiamato anche Kyūreki 旧暦 ha origini antichissime, trasmesso dalla Cina in Giappone nel VII secolo.

Ma cosa sono concretamente queste 24 piccole stagioni? In pratica si basano sul movimento del Sole e sulla sua longitudine eclittica che hanno portato alla classica divisione in due solstizi (estate e inverno) e due equinozi (primavera e autunno) che a loro volta vengono suddivisi in due parti, segnando l’inizio e la metà di ogni stagione (yotsudate – 四立). Si creano così 8 divisioni che vengono divise ulteriormente in 3 parti a cicli di 15 giorni (quindi ogni stagione risulta avere 6 divisioni), creando i 24 sekki (二十四節気).

stagioni giappo(Immagine tratta da:

Inoltre, ognuna delle 24 parti viene suddivisa in 3 in base ai cambiamenti climatici, portando alla creazione di 72 spazi di tempo di 5 giorni l’uno.

Ad ogni periodo vengono associate parole che indicano la condizione del tempo meteorologico e degli esseri viventi e nel tempo sono state codificate i Saijiki 歳時記, le “Antologie delle quattro stagioni”, dove sono raccolti dai 15000 ai 25000 kigo 季語, le parole delle stagioni, a raccontare di un universo che cambia in continuazione.


 Cambiano le stagioni e le emozioni

A cominciare dal cibo, il cambiamento delle stagioni influenza la vita e la cultura giapponese a 360°. Come per il frappè di Starbucks ai fiori di ciliegio, tanto per dirne una, gli ingredienti di stagione vengono usati solo in quello specifico periodo, gustandone il sapore con gli occhi e col palato, mentre il pensiero volge verso la stagione che sta per arrivare.

DSC_0863Le case tradizionali si adattano ai cambiamenti stagionali e al clima caldo e umido, “incastonate” naturalmente nel paesaggio creando armonia e non distruzione, dove il cuore e la mente possono arricchirsi di energie positive. Gli animi si calmano ascoltando il suono della pioggia battente sui tetti di legno e lasciandosi accarezzare dal vento che come un dragone si destreggiava con delicatezza attraverso gli shōji, le porte scorrevoli di carta.

In primavera, quando la natura si sveglia, anche il cuore comincia ad agitarsi. Nell’abbondanza della piena fioritura dei ciliegi anche gli esseri umani gioiscono e in empatia con essa festeggiano allegramente bevendo e cantando. In autunno invece l’animo si calma, perdendosi tra i colori accesi della maestosa morte della natura nel ciclo infinito dell’esistenza. Nella filosofia orientale, specie nello Zen, gli esseri umani e l’Universo non sono soltanto connessi imprescindibilmente, ma sono una cosa sola, forme diverse di un’unica sostanza. Il corpo fisico degli esseri umani è un microcosmo che riflette la struttura del Cosmo infinito.  Immagine

Si dice che al giorno d’oggi i giapponesi, soprattutto i giovani stiano dimenticando l’importanza della natura e l’interconnessione con l’Universo. Tuttavia, nella ciclicità annuale ogni mese i treni sono pieni poster pubblicitari di festival legati a piante e animali di quella stagione. Il festival delle ortensie アジサイ (ajisai) a giugno, il festival delle lucciole蛍 (hotaru) a luglio, il festival delle rose バラ (bara), il festival delle ipomoea 朝顔 (asagao), il festival dei crisantemi 菊 (kiku) si susseguono uno dopo l’altro in un tripudio di colori. Di questi ho avuto la fortuna di partecipare al festival delle lucciole in un parco di Yokohama. Nonostante non fosse molto conosciuto era pienissimo di gente. Adulti e bambini hanno aspettato diligenti sulla riva del ruscello fino al calare del sole e nello stesso istante in cui la prima timida lucciola ha fatto la sua comparsa, tutti, grandi e piccini avevano dipinto in volto la sorpresa e l’eccitazione dello spettacolo che la natura stava per offrirci.

一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 2


Ichi ka bachi ka





Uno o otto

(O la va o la spacca)

Affidandosi alla fortuna del cielo, una grande vittoria o una grande sconfitta lasciando che le cose accadano da sole.

I kanji di “uno” e “otto” sono ricavati dalle parti superiori dei kanji di 丁 e 半 usati nel gioco dei dadi del “pari o dispari” (chōhan) o nei giochi di azzardo con le carte. La teoria più accreditata è quella che deriva dal gioco d’azzardo in cui il punteggio finale più alto da raggiungere con 3 carte è 9. Da qui il detto “1 o 8, prego il Buddha per 10”: se si pescano due carte da 1 e 8 si arriva a 9, nella speranza (pregando il Buddha) che con la terza carta si arrivi a 10 per vincere.

Daikanyama: the Trendy Globalized Residential District


Nowadays, when people are asked to talk about Tōkyō or try to imagine it, one of the first thing that comes to mind is the scramble crossing in front of the Shibuya station Hachiko exit. People from all directions wait for the green light to go over careful not to obstruct and not be hampered by the direction of the other, scared to be lost like ants which get confused if an obstacle comes in front of them. Probably this is the best image to describe the chaotic nature of a city in constant motion. But Tokyo is also the city of contrasts and contradictions, where every little space has its uniqueness and charm.   DSC_8799

Just 10 minutes by walk from the eccentric Shibuya, leaving behind the Yamanote line route, there is a town where you can forget the city noise, letting time flows slowly without any regret: Daikanyama, literally the “local administrator’s mountain”.

Surrounded by the stations of Shibuya, Ebisu and Nakameguro like the embrace of a strong father, as a modern area were the word “oshare” (“trendy” in Japanese) is an imperative in term of fashion, cafes, design and art, it is not easy to image an ancient history that goes from the Jōmon era (ca 11000 BCE-ca 300 BCE). During that period, where now  stands the hypermodern Tōkyō there was a very intricate bay and the area of Shibuya was nothing more than sea, while in Daikanyama’s one there was the land where people started to live in[1].

Besides some Kofun (ancient round burial mount) gathered on western Shibuya Hill, Sarugaku-chō, there aren’t many other evidences about other eras but according to Fujimori Takashi, the Daikanyama City Council Officer, during the Edo period Daikanyama was a rural area located in suburbs of the old Edo[2]. Thanks to the samurai, who start to live there from the Meiji period, the area could grow rapidly also in economic terms. With the construction of the station and the first apartments built with concrete in Japan both occurred from 1927, it became residential center for people who co-worked in order to let bloom the new aspect of Daikanyama’s culture.

Walking through the main huge streets, Hachiman-dōri or Kyu Yamate-dōri, you can feel more and more freedom of spaces and sounds. The atmosphere changes at each step: leaving behind the deafening noises of the running life of millions of “ants” and looking at the architectures mainly made of wood and glass, the surrounding space opens to reveal a field full of “butterflies”. Quiet and elegant, different in colors and shapes, they fly gracefully from flower to flower, unable to decide which is better. Perhaps the (cherry blossoms) for the smallest, or the (sunflower)along the slight Daikanyama hill before trying the for those full of life. Probably the best place for a leisured break is the “ivy’s room”, better known as Tsutaya (“tsuta” means “ivy”) bookstoreDSC_8820

Whether it is real or made in words, nature is essential for the life of its inhabitants, for the most part young couples or families, where children can grow up in the tranquility and lushness of the forest before climbing skyscrapers. Harmony and balance are not only visible in spaces and buildings but also in people relationships.

In the streets close to Hillside Terrace (a complex of 14 buildings along Kyu Yamate-dōri completed in 1969 after 30 years of works), it is common to encounter foreigners walking sure of their way while chatting with friends a step back to their children who play happily in the wide spaces between a shop and another. As stated by Kengo Asakura, a descendant of the warriors’ Asakura Family that governed the area from the end of Edo period, “since the area around Hillside Terrace has strict restrictions, there has not been any unnecessary developments for money making purposes. Instead, it still is a very connected community and residents and merchants have personal relationships”[3].  DSC_8785

A place where the glass walls of the buildings reflect the sunlight, irradiating the streets as a kaleidoscope of colors, a garden where there is space to bloom not only for flowers but also for ideas and moral values, where art is a lifestyle and time is not in a hurry: all of this is around the corner.


[1] Nakazawa Shinichi, Earth diver, Kodansha, Tokyo, 2005 (from the website “Daikanyama T-Site”,, last consultation on 15th July 2015).

[2] Shibuya City Tourism Association Inc. Foundation website, “Daikanyama press&map vol. 3, December 2012”, (last consultation on July 15th 2015).

[3] Shibuya City Tourism Association Inc. Foundation website, “Daikanyama press&map vol. 3, December 2012”, (last consultation on July 15th 2015).

風鈴の音色 ~ I colori del vento

Luglio sta per terminare, l’estate giapponese invece è appena iniziata. I ragazzi si preparano per i 夏合宿 (natsu gasshuku), i campi estivi dei propri club universitari. Dopo un altro semestre di studio matto, tra una pennichella e l’altra in biblioteca, finalmente è arrivato il momento di divertirsi (senza dimenticare però le attività dei club :P) e di stringere amicizie condividendo il tempo insieme, facendo le stesse esperienze al di fuori della scuola.

Io invece, che ho abbandonato i club a cui mi ero iscritta ormai da diveri mesi, mi preparo ad un altro viaggio più lungo. Intanto però mi godo i suoni, gli odori e i colori di un’estate umida, scandita dal canto delle cicale a volte troppo assordante. Gli ombrelli trasparenti fanno posto ai ventagli di plastica riposti accuratamente in un cestino davanti ai negozi. 「ご自由に取ってください」(Go jiyū ni totte kudasai) – “Prendeteli liberamente”. L’efficienza e l’accorgimento per le piccole cose che però possono cambiare il corso della giornata (pensate al caso in cui state smoccolando appena usciti dalla stazione e vi accorgete di non avere alcun oggetto simile a un pacchetto di fazzolettini. Ecco che arrivano gli omini e le donnine vestiti di rosso, giallo o in elegantissimo completo, pronti a soccorrervi con pile di fazzolettini!) non finiranno mai di stupirmi in questo Paese.

Uno dopo l’altro si susseguono i 祭り(matsuri), i festival che celebrano fiori, animali, tradizioni. Ho aspettato trepidante l’estate per questo. Tra danze e campane del vento cammino tra la gente e gli stand di yakisoba, yakitori, dolci vari che mi investono e mi attirano col fumo dei cucinotti in azione. Nel weekend il 盆踊り祭り (Bon odori matsuri), la festa della danza per gli spiriti. Di regione in regione, musiche e movimenti diversi vengono eseguiti per rendere omaggio alle anime degli antenati che vengono a fare visita ai loro cari in questi giorni particolari. Ci vado con la mia “ホームビジットの母”, una dei tanti volontari che accettano nelle loro case dei giovani stranieri in cerca di identità culturali diverse dalle loro. Lei e le altre simpatiche signore tentano di farmi partecipare alla danza, ma si arrendono all’evidenza della mia totale incapacità a muore un passo senza rendermi ridicola XD Intanto (era il 18 Luglio) nei cieli di Tokyo compare all’improvvviso un arcobaleno, e poi due. Due grandi semicerchi dalle sfumature inconfondibili fanno da cornice ad un tramonto senza più pioggia, abbracciando l’intera città. Per fortuna ci si dimentica della mia goffaggine e tutti alziamo lo sguardo al cielo, godendo con tutti i sensi di un pomeriggio di festa, mentre i taiko scandiscono il ritmo dei battiti del cuore.

Niji above Tokyo

Non mi fermo, e il giorno dopo faccio visita a due templi per uno dei miei festival preferiti: il 風鈴祭り(fūrin matsuri), la festa delle campanelle che tintinnano al vento. E’ il suono dell’estate, di un’estate giapponese che ho sempre sognato.

La storia dei fūrin risale ai tempi dell’antica Cina, dove venivano utilizzati dagli indovini per predire la fortuna in base alla direnzione del vento e al suono che producevano le campane. In Giappone la loro funzione è cambiata e venivano appese ai quattro angoli dei templi per scacciare gli spiriti cattivi. Quando diventarono popolari cominciarono ad essere prodotti in diversi materiali e forme. Uno dei più comuni diventò il vetro, diffusosi da Nagasaki quando gli stranieri insegnarono la tecnica di lavorazione di questo materiale ai giapponesi.  (fonte: Al giorno d’oggi non solo i templi, ma le case e i negozi sono adornati con tante di queste campanelle dal suono nostalgico e rilassante, diventando uno dei simboli dell’estate giapponese.

Vado alla loro ricerca e internet e il mio istinto mi portano molto lontano da casa mia, dove c’è lo Ikegami Honmon-ji, complesso buddhista della setta Nichiren, dove si dice che Nichiren stesso sia morto. In questo luogo per pochi giorni 500 campane in gisa si lasciano accarezzare dal vento, raccontando storie silenziose ai visitatori. Nel primo pomeriggio il tempio è tranquillo, pochi giapponesi che passeggiano senza fretta e io, l’unica straniera come spesso accade in posti poco conosciuti e lontano dal centro. DSC_9827Ero ancora a testa in sù incantata dalle campane quando si avvicina una piccola signora con in testa un cappello a visiera rigida. Mi parla in inglese, con timidezza ma coraggio. Le rispondo in giapponese e le si stampa un largo sorriso sul viso. E’ una guida del luogo, volontaria (non è raro incontrarle in Giappone. Anche a Nara, nonostante la pioggia battente ne ho incontrata una). Ho tempo, decido di farmi guidare da lei e scoprire qualcosa in più di quel luogo. Mi porta a visitare la Soshi-dō, la sala principale, dove si trova una piccola statua di Nichiren, poi alla Pagoda a 5 piani e al Tahōtō, lo stupa rosso costruito per conservare le ceneri del monaco. Rimango a guardarlo per un pò, affascinata dalle forme bombate che prendono le distanze dal resto del complesso. Si dice infatti che sia l’unica struttura di questo genere in Giappone. Osservo e ascolto. La guida parla, mi spiega e continua a meravigliarsi di me occidentale interessata al Buddhismo e alla sua storia. Mi parla come se fossi del luogo, chidendomi di cose che non posso sapere e si scusa perché a parlare così liberamente si era dimenticata che non fossi giapponese. Sorrido e dentro di me cresce un pò di orgoglio. A volte basta poco per sentirsi vicini, basta ascoltare e saper capire. Altre volte invece i cuori sono così lontani che non bastano parole né silenzi per legarli.

Mi allontano dalla quiete dello Honmon-ji per recarmi un pò più a Nord, al Kawasaki Daishi, dove le campane non sono 500 ma molte molte di più, così come la gente! E’ un tripudio di suoni e di colori, un bazar di sogni dove ognuno può scegliere il suo, che può essere uguale agli altri nella forma, ma la sostanza è intrisa della personalità di ognuno. Tante coppie di giovani giapponesi in yukata che scelgono con pazienza il loro fūrin, toccandoli leggermente col dito per sentirne i suoni e dare via al concerto.


Anche per quel giorno il sole comincia a spegnersi dientro il cancello che dà accesso al tempio. La gente continua a passeggiare mentre io mi allontano con un sogno da riempire con la mia esistenza.

Tanabata matsuri 七夕祭り ~ La festa delle stelle






Tanto tempo fa il Cielo era abitato da un Dio che aveva come prole un’unica figlia dal nome Orihime. Ella, molto diligentemente si svegliava ogni giorno molto presto e filava. Un giorno il Dio pensò che ormai la figlia era diventata grande e che avrebbe fatto bene a sposarsi, così le trovò un ragazzo serio, che abitava sull’altra sponda della Via Lattea. Il giovane si chiamava Hikoboshi e lavorava nei campi con l’aiuto dei buoi.

I due si sposarono e il loro amore crebbe ogni giorno di più. Sempre insieme felici e spensierati, si dimenticarono dei loro doveri. Il Dio del Cielo si arrabbiò, ma i giovani continuarono a non lavorare. Il Dio si arrabbiò ancora di più e riportò a casa la Principessa Ori, constringendoli a separarli. Orihime, desiderosa di incontrare il suo sposo, piangeva ogni giorno. Il padre si impietosì e disse: “Orihime, Hikoboshi, vi concedo di incontrarvi una volta all’anno soltanto. Il settimo giorno del settimo mese, potete attraversare la Via Lattea per vedervi. Ma al mattino dovrete tornare a casa “. Il loro desiderio fu esaudito e da allora si incontrano ogni anno nel cielo.

20150707_120756Se volgete lo sguardo verso l’alto nella notte estiva del 7 luglio potrete vedere la scia della Via Lattea e le due stelle Vega e Altair avvicinarsi sempre di più.

Anche se al giorno d’oggi sono sempre di meno, in questi giorni davanti ai negozi, nei parchi, vicino ai santuari, e a volte (come oggi è capitato a me) in un’aula universitaria, i giovani alberi di bambù decorati con stelle di carta luccicanti e kimono di carta si muovono leggeri accarezzati dal vento; le strisce di carta colorata, i tanzaku, appesi ai rami con timidezza e trepidazione, custodiscono i desideri delle persone nell’attesa che gli Dei si avvicinino a leggerli ed esaudirli uno ad uno.

Ho sempre avuto molto cara questa ricorrenza, anche se non mi ha mai portato molta fortuna. Ma voi, questa sera, scegliete il vostro colore preferito, date una penna al cuore e affidate i vostri sogni alle stelle, che viaggiano nello spazio da milioni e milioni di anni. Loro sapranno cosa fare. Che i vostri desideri ~narimasu yōni 

笹の葉 さらさら       五色の短冊

軒端に ゆれる      私が書いた

お星さま きらきら     お星さま きらきら

金銀  砂子       空から見てる

« Le foglie di bambù frusciano
vicino le gronde ondeggiando
Le stelle luccicano
granelli d’oro e argento
Le strisce di carta dai cinque colori
ho già scritto
Le stelle luccicano
e ci guardano dal cielo. »