Italian Japonism: a weighted analysis or a trend?

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Just less than ten years before the first performance of the well-known opera by Giacomo Puccini, Madame Buttefly, another Italian composer presented his way to see the East. The Mascagni’s opera called Iris was the first Italian opera set in Japan, performed for the first time in Rome in 1898.  The story, written by the famous and active writer of Opera’s texts Luigi Illica, is originally based on a Japanese legend and inspired by Hokusai’s ukiyo-e The Dream of the Fisherman’s Wife. Iris is a young innocent Japanese girl who lives in Fujiyama with her blind father. The first scene starts with the bright sunrise hitting the beautiful girl, woken by a nightmare in which monsters sought to injure her doll. Eventually she draws attention of a noble called Osaka, who wants to possess her. Helped by Kyoto, a questionable brothel keeper, he tries to enchant Iris with a marionette show and finally conducts her, fascinated and still confused, to Yoshiwara, district of pleasure and perdition. After several failed attempts act to seduce the young girl, he becomes impatient: in her purity, she remain unconscious of the significance of his words and caresses. At first she thought he was Tor, the sun god, because of his brilliant attire, but he tells her he is Pleasure. Since one day, in the temple, a priest told her that pleasure and death were one, the words of Osaka frightens her. He finally leaves her and Kyoto turns her into a “ghèshua”, showed in the “Green House”. Her father finds Iris and unaware of everything curses his daughter, who, shamed, leaps from a window into the sewer below. Dying, she praises the sanctity of the Sun, which embraces her with its warmth and light before she was absorbed by the blooming Nature.

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Iris was composed during the most active period of the Italian and European lyric world: a century of constant changes not only of musical trends but artistic in general[1], influenced by historical events and international relations. The Romantic period, characterized by the will of the composers to convey strong messages of social and political unity, trying to teach a moral lesson, and the realism/naturalism in which the main aid was to depict the daily life of common people, especially the poverty of the south Italy’s people. At the end of the XIX century another movement developed in contrast to the previous one, the Decadents: all hopes of redemption were abandoned together with optimism.

The audience of the Opera at that time embraced all social levels: since it described changing social conditions of all kinds of people, it became a social and costume phenomenon, drawing attention of the upper class as well as the middle and lower class. Editors and composers paid attention to the trends of the period and tried to satisfy the expectations of the audience.

That was the period of colonialism as well, and even if western countries already knew the East, thanks to the shipments of Portuguese missionaries two centuries before, it was in the XIX century that the idea of “Orientalism” spread. As it is said by Gilles de Van, the more general term of “Exoticism” is nothing else but the notion of the difference; a process of knowledge that transform into a metaphor of desire as a wish to escape from a unsatisfactory bourgeois civilization as it was developing at that time. This dissatisfaction gave rise to boredom and the desire for a more attractive elsewhere. The fact that were mostly man (writers, musicians, literates and travelers) searching for exotic woman, can be seen as a reaction for bourgeois Puritanism to the moral strictness of the period. The more brutal but healthier energy of unknown countries were more stimulating to the imagination.[2] In the areas of literature and opera (and by extension, of librettos) the shift was very rapid: spatiotemporal vagueness was replaced by a more precise citing of local with details of local colors; at the same time characters became more individualized and described with signs of their place of origin. However, a traveler as a writer or a musician was not necessarily an anthropologist and could observe behavior without being aware of its historical and social contexts. Hence, each country or city acquired a certain number of clichés which made it seem exotic[3].

The opera of Mascagni is not the first Oriental based work of the century in the western world: Saint-Saens’s La Princesse jaune (1872), Gilbert and Sullivan’s Mikado (1885) with the traditional japanese song Ton’yarebushi, Pierre Loti’s novel Madame Chrysathème (1893) are just some of those which touched on Japan.[4] However, compared with others, and especially with Madame Butterfly, Iris seems to be the opera less involved in Orientalism, or at least, that one which needs more efforts to see or recognize Japan in it, starting from the title.

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Reading the title, in fact, we cannot imagine that it is a Japanese based opera: the Iris is a common flower in Italy too and although it has symbolism also in Japan, this flower is not automatically associated with it. It is nevertheless significant if analyzed in the period context: the iris was a flower important in the Japanese decorative arts and became almost the emblematic image of art nouveau, so that the Japanese setting offered a rich vocabulary of visual and poetic images and the opera of Mascagni and Illica can be considered as the only Italian art nouveau opera as well. According to Illica’s description of his libretto as a Japanese subject taken from the legend “The girl in love with flowers”, even some eminent scholar of Japanese studies as Donald Keene struggled to find the Japanese origin of the story: it does not seem there are similar in any readily available collection of Japanese legend or folk tales, even if there were many phony Japanese stories in circulation at the time.[5] While Illica did efforts to create a Japanese atmosphere citing references to shamisen, kamuro and Edo’s Shimonoseki market, he had no truly interest in recreating an authentic Japanese environment. Moreover, the decision to name his leading characters with the Japanese most known cities at that time, Osaka and Kyoto, rather than give them credible Japanese names, and the pronunciation富士山(Fujisan) as “Fujiyama”, could be confused with ignorance and offhand gesture. However, it could be suggested that the writer, who travelled to Japan, although he was not a specialist, knew some basic aspects of Japan. That is why Mallach consider the choice as a deliberate reminder that Iris’s Japan is symbolic, metaphorical land, not to be confused with the real thing[6], considering also that originally the opera’s title was The Japanese girl (La Giapponese). Mascagni as well turned on into the study of Japanese music determined to reproduce with music the Land of the rising sun’s colors. His words reflect his ardor in the work of the opera: “I have had typical Japanese music up to here…I am thoroughly Japanesed (sono tutto ingiapponesato). [..] I have studied that type of music a great deal, and I believe that I’ve caught its spirit[7]”. He also had the chance to see and touch Japanese instruments he had never seen before from the collection of Kraus, an Australian writer interested in Oriental studies. He came out of there “with head on fire, with heart full of a strange emotion. […]. I know that in front of that splendid mass of Japanese instruments I glimpsed something grand, solemn, that won me over completely (25 October 1897)”.[8] However, his interest in Japanese music was limited to the creation of musical color reflected in the entrance of the puppet show in the first act and the opening of the second, where violin, flute and harp conjure up a mysterious oriental air, using the shamisen only as a visual decoration. There are no precise statements about it, but it can be assumed that the goal of Mascagni was to make the viewer feel unusual appearances as peculiar timbre of what is geographically distant from the Western audience, to involve him in the world where the small Iris lives. Other Japanese elements present in the opera are the gidayu (the style of chanting with shamisen) used in the puppet show section, and the nagauta (traditional Japanese music which accompanies the kabuki theater) as accompaniment for dance that makes use of a flute and three drums. But even in these cases there is not a realistic transposition of traditional Japanese music and culture because, despite the melodic idea and its treatment are well managed, no geisha would never dance the waltz acted from Beauty and the Vampire in Mascagni’s opera, not only out of shame but also because the ternary division was unknown to the Japanese at that time.[9]

It can be assumed than that setting the opera in Japan served many purposes considering that to Europe of XIX century, Japan was still more an imaginary and mysterious land that part of the modern world. That exotic setting allowed to make the story free of realistic associations and audience to free the imagination. This was probably a response to industrialized world’s censorship and permitted the downplaying of violence and struggle against the status quo. The intent of Opera composers was to move their audiences’ sensibility, make them reflect on the illusions and deception of the world they lived in. The exoticism metaphor of reality satisfies the double need of distancing while sending back to audience a reflection of their society problems and conflicts.[10]

From the reports of the time it seems that this aim has been achieved since audience (composed by all social classes), in contrast to critics, acclaimed the opera despite having been confused by the last act, with strange and far from western classical melodies atonale note. Iris soon won a substantial following in Italy and in Latin America, where Italian Opera was already well-known and where Italian artists, singers went in search of new fortune.  Although the conservative audiences of fin de siècle was captivated by a new and different opera, to today’s audiences it clearly belongs to its time and place, no longer part of the Italian repertory.

In Japan Iris is still today almost unknown, set up for the first time in 1984 and few others representations in 2008 and 2011, with the intent to give credit to Belle Époque Italian’s opera but with an almost different result as the original one presents many recited parts in Italian language which Japanese artists struggle to memorize.

Concluding this analysis, it can be said that Iris loses its value if taken out from its historical and social context in which this opera represented symbolically a visionary and imaginary world (as Japan was considered in XIX century with its many cultural cliché) that became real first of all in the minds of audience, consisting of people who want to share new ideas and social models.

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[1] Si bemolle – http://www.sibemolle.it/materie/storia_musica/tesi/tesi_22.aspx

[2]Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator), “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993, p. 79.

[3] Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator), “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993.

[4] Cf. Arthur Groos, “Cio-cio-san and Sadayakko: Japanese music-theater in Madama Butterfly”, Monumenta Nipponica, Vol. 54, N.1 (Spring, 1999), pp. 43-44.

[5] Cf. Alan Mallach, Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 124-125.

[6] Cf. Alan Mallach , Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 125-126.

[7] Cf. Allan Mallach, Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 114.

[8] Cf. Michele Girardi, Esotismo e dramma in Iris e Madama Butterfly, Atti della giornata di studi (Viareggio, 3 agosto 1995), Lucca, Pacini, 1996, pp. 37-54.

[9] Cf. Michele Girardi, Esotismo e dramma in Iris e Madama Butterfly, Atti della giornata di studi (Viareggio, 3 agosto 1995), Lucca, Pacini, 1996, pp. 37-54.

[10] Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator) , “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993.

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Il corpo e il tempo di chi?  ~ Mayumura Taku 眉村 卓

Mayumura Taku è il nome d’arte di Murakami Takuji, scrittore di romanzi di fantascienza e narrativa per ragazzi, nato a Osaka nel 1934.  Può essere considerato in alcuni sensi come un autore di transizione, che getta un ponte tra la “vecchia scuola” della fantascienza giapponese, con la sua dipendenza dalle metafore e dai temi della fantascienza anglo-americana, e la “nuova scuola” degli autori che, negli ultimi anni ’60, cominciano a staccarsi dai modelli occidentali e dare risalto al punto di vista giapponese sul mondo post-industriale.

Dopo essersi laureato in economia lavorò per sei anni in una ditta di produzione di ceramica, periodo durante il quale Mayumura cominciò ad interessarsi alla letteratura di fantascienza, quando la Hayakawa Shobō e la Kōdansha pubblicarono delle serie di traduzioni di romanzi di questo genere. Si cimentò contemporaneamente nella scrittura con brevi racconti con i quali partecipò a vari concorsi indetti dalle riviste commerciali di letteratura, tra cui lo SF Magazine. Mori Masaru, l’editore, lo introdusse nel 1960 allo SF Fanzine Uchuu-jin (宇宙塵 – Polvere cosmica) (il primo Fanzine in Giappone, creato nel 1957) per il quale cominciò a pubblicare storie in quasi tutti i numeri. Successivamente entrò a far parte anche della rivista di Yasutaka Tsutsui, Null.

Nel 1961 vinse il premio per la miglior storia al primo concorso Kuusou-Kagaku Shousetsu (空想科学小説), poi rinominato Hayakawa SF Contest, con il racconto “Kakyuu Idea-Man “ 下級アイディアマン,  pubblicato lo stesso anno sullo SF Magazine.

Nel 1963, dopo aver pubblicato il suo primo romanzo di fantascienza “Moeru Keisha” 燃える傾斜, decise di abbandonare il lavoro alla ditta e si dedicò completamente alla scrittura.

Nel 1979 vinse il settimo premio per la letteratura Izumi Kyōka e il premio Seiun con il romanzo “Shōmetsu no Kōrin – La scomparsa dell’aureola” 消滅の光輪, una delle storie contenute nella serie Shiseikan. Questa serie di storie collegate, iniziata con Hono’o to Hanabira nel 1971 e che comprende due collezioni e due romanzi, presenta un lontano scenario futuristico in cui i terrestri costituiscono una Federazione Terrestre nello spazio, colonizzando numeri sistemi stellari e i loro pianeti. All’inizio i pianeti sono dominati da governi militari, ma successivamente il governo federale comincia ad inviare amministratori civili che hanno il compito di mediare le dispute e gestire i disastri delle colonie su altri mondi. La caratteristica di questo lavoro è la prospettiva “interna” del racconto, per cui Mayumura posiziona i protagonisti in un teso confronto tra le forze rivali del sistema burocratico e dell’individuo. Questo tema può essere considerato come un riadattamento del costante drammatico conflitto della società giapponese tra giri (dovere) e ninjō (emozioni). Fin dalle sue prime storie, influenzate dalla fantascienza dei romanzi d’oltreoceano, Mayumura scrisse per mettere in risalto aspetti della società e dell’individuo, e sviluppò la sua teoria dei “membri della SF”. Continuò a lavorare su questo tema in tutta la sua produzione, esaminando il ruolo dei membri considerandoli la macchina motrice per cambiare un’organizzazione (o l’intera società) e i conseguenti conflitti tra organizzazione/società e individuo, soprattutto nella serie “Shiseikan – Administrator”. Nel 1996 vinse il suo secondo premio Seiun con il monumentale “Hikishio no Toki”, pubblicato in 5 volumi, che conclude la serie Shiseikan. Mayumura raggiunse il suo picco di creatività intorno agli anni ’90 quando portò a compimento sia la serie di Shiseikan che quella di “Futeiki Esper” (iniziata nel 1988 e composta da otto volumi che narrano le vicende di famiglie nobili che usano soldati “psichici” per i loro giochi di potere) e quando rallentò la produzione di racconti brevi e scrisse il romanzo sul viaggio nel tempo “Carthago no Unmei” (Il destino di Cartagine) (1990-1997) in cui i ricercatori giapponesi osservano l’ascesa e la caduta di Annibale, e comparano il suo destino a quello del Giappone nella seconda Guerra Mondiale.

Tuttavia, in Giappone è conosciuto principalmente per la sua produzione di letteratura di fantascienza per ragazzi con storie sui viaggi nel tempo che catapultano i moderni teenagers in periodi storici che si ritrovano a studiare a scuola, come “Nerawareta Gakuen”, trasposto nel 2012 anche in lungometraggio di animazione.

Soprattutto in questi lavori si vede l’influenza di Yasutaka Tsutsui, con l’intento dell’autore di creare un continuum con la sua produzione e staccarsene gradualmente. Numerosi altri romanzi sono stati adatti in serie animate, lungometraggi e film come Manie-Manie Meikyu Monogatari e Toki no Tabibito -Time Stranger.

Nonostante nei lavori di Mayumura sia predominante il richiamo alla sua esperienza di “salaryman” in satire che riconcepiscono i nuovi coraggiosi mondi della fantascienza come una routine dei noiosi incontri d’affari e dell’opportunismo politico, è altresì presente un forte senso di romanticismo, come dimostra “Fnifmum”, un racconto breve sullo stile delle “Cosmicomiche” di Calvino che presenta delle istantanee di una coppia di umani sbarcati in un luogo sconosciuto nello spazio, destinati probabilmente a diventare l’Adamo ed Eva della loro nuova casa. Il racconto, però, si apre con la descrizione di una creatura la cui durata della vita è misurata in eoni (unità geocronologica superiore alle ere) e le cui fattezze non sono ben definite, ma dotato di un organo sensorio grazie al quale riesce a percepire i suoni e i movimenti. Esso si trova probabilmente in qualche punto dello spazio da dove riesce a vedere le rocce e il mare di un pianeta indefinito. Muovendo l’organo sensorio lungo tutto il suo corpo, Fnifmum riesce a “vedere” nel tempo ogni volta che lo desidera. Anche questa volta, come aveva già fatto, riguarda le immagini della grande battaglia spaziale combattuta ere ed ere precedenti dai Pultera e Cakyo, due razze di una popolazione di chissà quale pianeta. Stanco di rivedere per l’ennesima volta le stesse scene (che tra l’altro gli provocano dolore al corpo alla coordinata temporale dell’esplosione dell’ultima bomba, tanto da affermare che “se fosse stata poco più potente il suo corpo avrebbe potuto lacerarsi in quella coordinata temporale”), decide di rivolgersi a coordinate temporali più piacevoli, ricordandosi di Honycominah, creatura (di genere femminile) del suo stesso phylum (genere, tipo: gli organismi dello stesso phylum hanno un piano strutturale comune, non necessariamente evidente dalla morfologia esterna) con cui in passato era entrato in contatto.  Nel racconto viene spiegato che quando l’organo sensorio stabilisce un contatto con un altro e lo trova affine, avviene, attraverso la superficie corporea, uno scambio fra i geni immagazzinati negli organi stessi, dando vita a una diramazione nella linea temporale, chiamata “figlio”, con cui le creature originarie però, non hanno alcun contatto.

Fnifmum è cosciente del flusso temporale all’interno del suo corpo e del fatto che non scorra in modo naturale come quello esterno da cui è indipendente, così come lo è rispetto alle coordinate temporali delle altre creature. Quando tenta di stabilire il contatto con Honycominah, tornando al passato più remoto delle sue coordinate, non riesce a trovarla e capisce che è cresciuto oltre quello spazio temporale: “aveva continuato a crescere dal momento in cui era stato consapevole di se stesso. Dapprima era un ragazzo di 5 o 10 anni. Ora era lungo duemila anni. La crescita non avveniva a entrambe le estremità del corpo”.

È come se il suo corpo fosse una molla che dal passato viene spinta verso il futuro e quando viene lasciata la distanza dal passato aumenta, mentre quella dal futuro si accorcia. Come accade per la molla, la cui velocità dipende dalla forza che si impiega per tenderla, la crescita di Fnifmum verso il futuro rallenta se l’energia vitale diminuisce. Alla fine, man mano che l’estremità passata si accorcia verso l’estremità futura, sia il corpo che la mente sono destinate a collassare nel nulla.  Così il suo corpo ha ormai oltrepassato Honycominah, che è più giovane e nonostante ne sia stato consapevole fin dall’inizio non può fare a meno di rammaricarsi e provare un gran senso di vuoto, tanto da perdere quasi il controllo del suo organo sensorio. Apatico e senza più alcuna prospettiva, decide per la prima vota di esplorare l’estremità futura del suo corpo, spinto dall’istinto di conoscenza di tutte le creature viventi, e oltrepassando la coordinata temporale futura di cui aveva memoria si accorge di essere cresciuto in maniera costante e senza perdere forza, sollevato dal fatto che abbia ancora molto tempo da vivere. Muovendo l’organo sensorio verso l’esterno, ad un certo punto vede muoversi qualcosa di strano nel cielo in cui brillano due soli. Si tratta di una navicella spaziale che atterra vicino a Fnifmum. Dalla navicella escono due esseri che Fnifum vede per la prima volta e che descrive come due palle trasparenti, ciascuna sorretta da una colonna, con due paia di arti e dalle mentalità vacillanti. Sempre attraverso il suo organo sensorio riesce a carpire i processi mentali più forti e a comprendere la situazione in cui si trovano due creature che capiamo essere degli umani. Sono un uomo e una donna che tentano forse di sfuggire a una qualche guerra in atto nello spazio e che si credono spacciati su un pianeta dove non c’è ossigeno. Neanche il “meccanismo temporale” che gli permette di viaggiare nel tempo e nello spazio gli può bastare per sfuggire ai cosiddetti Ricognitori delle Truppe Spaziali. Decidono comunque di tentare l’unica possibilità che hanno e con un salto nel futuro raggiungere un punto “laggiù” dove si vede il mare e dove forse ci sarà ossigeno. Intanto Fnifmum percepisce la coppia di umani nel suo stesso flusso temporale, lungo il suo corpo, e ad osservarli sperimenta una nuova piacevole sensazione e un nuovo sentimento di simpatia, diversi da quelli provati quando era entrato in contatto con Honycominah. Fnifmum tenta di vedere nel lontano futuro per sapere come saranno i due umani, ma non potendo andare oltre l’estremità futura del suo corpo, è costretto a fermarsi e aspettare di crescere fino ad arrivare nel loro futuro. Così, nell’attesa, si addormenta.


*Questo e altri racconti di fantascienza della letteratura giapponese si possono trovare in “La leggenda della nave di carta”, AA.VV., Edizioni Fanucci, 2002.

In più per approfondire:

Speculative Japan: Outstanding Tales of Japanese Science Fiction and Fantasy, Gene van Troyer, Grania Davis, Kurodahan Press, 2008.

Robot Ghosts and Wired Dreams: Japanese Science Fiction from Origins to Anime, Christopher Bolton, Istvan Csicsery-Ronay Jr, Takayuki Tatsumi, University of Minnesota Press, 2007.

一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 5

腐れ縁は離れず

Kusare en wa hanarezu

悪い縁というものは、切ろうとしてもなかなか切れないこと。

-> 悪縁契り深 (あくえん ちぎりふかし)

Immagine tratta da Trumblr

Anche se si è consapevoli di un legame negativo e ormai marcio, si è impossibilitati a reciderlo e non si riesce a staccarsene.

このことわざは仏教に基づいているそうですが、残念ながら起源と理由の情報は見つかれなかったんです。知ってる人がだれかいましたら、知らせてくださったらとても嬉しいです。宜しくお願いします。

一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 4

鬼の目にも涙

Oni no me ni mo namida

鬼のように冷酷で無慈悲な人間でも、ときには同情にほだされて、

目に涙を浮かべることがあるように、どんな人にも情というものがあるということ。

Immagine tratta da http://blogs.yahoo.co.jp/saru_to_wani/38448106.http

Anche negli occhi dei demoni le lacrime

Anche la persone più spietata e senza scrupoli come un demone ha un cuore, come tutti gli esseri umani, che è capace di provare misericordia e compassione.

Nel Sutra del Loto si racconta di un demone femmina, Kishimojin 鬼子母神, che per nutrire i suoi figli rapiva quelli di altre donne senza pietà. Le madri dei bambini rapiti si rivolsero disperate a Shakyamuni che per far capire al demone la gravità del gesto si vide costretto a rapire il suo figlio minore, Binkara. Kishimojin cercò disperatamente e senza sosta suo figlio. Non trovandolo si rivolse a Shakyamuni, che la rimproverò per la condotta malvagia e senza cuore che aveva avuto, facendola riflettere su quanto dolore aveva provocato alle madri dei bambini rapiti e uccisi. Le fece così promettere di non uccidere più bambini e quano lei giurò Shakyamuni le restituì suo figlio. Da allora Kishimojin e i suoi figli si fecero protettori dei devoti del sutra, pronunciando queste parole: «Onorato dal mondo, noi desideriamo proteggere coloro che recitano e abbracciano il Sutra del Loto e liberarli da ogni fatica e da ogni malattia» (Sutra del Loto, XXI cap.)

http://www.dailymotion.com/video/xl3fe9_mnmb-%E9%AC%BC%E5%AD%90%E6%AF%8D%E7%A5%9E%E3%81%95%E3%81%BE_creation

一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 3

雨後の筍

Ugo no takenoko

季節になると、雨が降ったあと、たけのこがぞくぞくと出てくることから、ものごとがあとからあとから起こってくることを言う。

参考:実用ことわざ小事典

Nezu Museum's garden
Nezu Museum’s garden

I bambù dopo la pioggia

Quando è stagione, dopo esser piovuto i bambù spuntano uno dopo l’altro: così si dice anche per gli eventi che si susseguono senza sosta.

一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 2

一か八か

Ichi ka bachi ka

運を天にまかせて、事を行う、大勝負をすること。のるかそるか。一と八とはそれぞれ丁と半の上の部分をとったものといわれる。

「一」と「八」がなんであるのかについては、いくつか説があるようですが、いずれもカルタ賭博、あるいはサイコロ賭博から発生した言葉であるとしています。一つは、賭博における「丁か半か」の「丁」「半」という字のそれぞれ上部をとったものであるという説です。また一つは、「一か罰か」の意味でサイコロの目が一が出て成功するか、外れて失敗するかといったサイコロ博打説や、「一か八か釈迦十か」といったカルタ博打の用語説もある。

参考:実用ことわざ小事典、アクルサイトhttp://www.alc.co.jp/jpn/article/faq/04/90.html

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Uno o otto

(O la va o la spacca)

Affidandosi alla fortuna del cielo, una grande vittoria o una grande sconfitta lasciando che le cose accadano da sole.

I kanji di “uno” e “otto” sono ricavati dalle parti superiori dei kanji di 丁 e 半 usati nel gioco dei dadi del “pari o dispari” (chōhan) o nei giochi di azzardo con le carte. La teoria più accreditata è quella che deriva dal gioco d’azzardo in cui il punteggio finale più alto da raggiungere con 3 carte è 9. Da qui il detto “1 o 8, prego il Buddha per 10”: se si pescano due carte da 1 e 8 si arriva a 9, nella speranza (pregando il Buddha) che con la terza carta si arrivi a 10 per vincere.

一日のことわざ (ichinichi no kotowaza) ~ Un proverbio al giorno – 1

愛多ければ憎しみ至る

あいおおければにくしみいたる

Ai ookereba nikushimi itaru 

愛と憎しみの関係は表と裏のようなところがあって、一方で特別に目をかけられかわいがられると、他方ではかならず人から憎まれるものだということ。

参考:実用ことわざ小事典

Se l’amore è troppo raggiunge l’odio 

Il rapporto tra amore e odio è come il fronte e il retro dello stesso foglio. Se da una parte sei amato e lodato troppo, dall’altra ci saranno persone che per invidai e gelosia avranno altrettanto odio per te.

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