Italian Japonism: a weighted analysis or a trend?


Just less than ten years before the first performance of the well-known opera by Giacomo Puccini, Madame Buttefly, another Italian composer presented his way to see the East. The Mascagni’s opera called Iris was the first Italian opera set in Japan, performed for the first time in Rome in 1898.  The story, written by the famous and active writer of Opera’s texts Luigi Illica, is originally based on a Japanese legend and inspired by Hokusai’s ukiyo-e The Dream of the Fisherman’s Wife. Iris is a young innocent Japanese girl who lives in Fujiyama with her blind father. The first scene starts with the bright sunrise hitting the beautiful girl, woken by a nightmare in which monsters sought to injure her doll. Eventually she draws attention of a noble called Osaka, who wants to possess her. Helped by Kyoto, a questionable brothel keeper, he tries to enchant Iris with a marionette show and finally conducts her, fascinated and still confused, to Yoshiwara, district of pleasure and perdition. After several failed attempts act to seduce the young girl, he becomes impatient: in her purity, she remain unconscious of the significance of his words and caresses. At first she thought he was Tor, the sun god, because of his brilliant attire, but he tells her he is Pleasure. Since one day, in the temple, a priest told her that pleasure and death were one, the words of Osaka frightens her. He finally leaves her and Kyoto turns her into a “ghèshua”, showed in the “Green House”. Her father finds Iris and unaware of everything curses his daughter, who, shamed, leaps from a window into the sewer below. Dying, she praises the sanctity of the Sun, which embraces her with its warmth and light before she was absorbed by the blooming Nature.


Iris was composed during the most active period of the Italian and European lyric world: a century of constant changes not only of musical trends but artistic in general[1], influenced by historical events and international relations. The Romantic period, characterized by the will of the composers to convey strong messages of social and political unity, trying to teach a moral lesson, and the realism/naturalism in which the main aid was to depict the daily life of common people, especially the poverty of the south Italy’s people. At the end of the XIX century another movement developed in contrast to the previous one, the Decadents: all hopes of redemption were abandoned together with optimism.

The audience of the Opera at that time embraced all social levels: since it described changing social conditions of all kinds of people, it became a social and costume phenomenon, drawing attention of the upper class as well as the middle and lower class. Editors and composers paid attention to the trends of the period and tried to satisfy the expectations of the audience.

That was the period of colonialism as well, and even if western countries already knew the East, thanks to the shipments of Portuguese missionaries two centuries before, it was in the XIX century that the idea of “Orientalism” spread. As it is said by Gilles de Van, the more general term of “Exoticism” is nothing else but the notion of the difference; a process of knowledge that transform into a metaphor of desire as a wish to escape from a unsatisfactory bourgeois civilization as it was developing at that time. This dissatisfaction gave rise to boredom and the desire for a more attractive elsewhere. The fact that were mostly man (writers, musicians, literates and travelers) searching for exotic woman, can be seen as a reaction for bourgeois Puritanism to the moral strictness of the period. The more brutal but healthier energy of unknown countries were more stimulating to the imagination.[2] In the areas of literature and opera (and by extension, of librettos) the shift was very rapid: spatiotemporal vagueness was replaced by a more precise citing of local with details of local colors; at the same time characters became more individualized and described with signs of their place of origin. However, a traveler as a writer or a musician was not necessarily an anthropologist and could observe behavior without being aware of its historical and social contexts. Hence, each country or city acquired a certain number of clichés which made it seem exotic[3].

The opera of Mascagni is not the first Oriental based work of the century in the western world: Saint-Saens’s La Princesse jaune (1872), Gilbert and Sullivan’s Mikado (1885) with the traditional japanese song Ton’yarebushi, Pierre Loti’s novel Madame Chrysathème (1893) are just some of those which touched on Japan.[4] However, compared with others, and especially with Madame Butterfly, Iris seems to be the opera less involved in Orientalism, or at least, that one which needs more efforts to see or recognize Japan in it, starting from the title.


Reading the title, in fact, we cannot imagine that it is a Japanese based opera: the Iris is a common flower in Italy too and although it has symbolism also in Japan, this flower is not automatically associated with it. It is nevertheless significant if analyzed in the period context: the iris was a flower important in the Japanese decorative arts and became almost the emblematic image of art nouveau, so that the Japanese setting offered a rich vocabulary of visual and poetic images and the opera of Mascagni and Illica can be considered as the only Italian art nouveau opera as well. According to Illica’s description of his libretto as a Japanese subject taken from the legend “The girl in love with flowers”, even some eminent scholar of Japanese studies as Donald Keene struggled to find the Japanese origin of the story: it does not seem there are similar in any readily available collection of Japanese legend or folk tales, even if there were many phony Japanese stories in circulation at the time.[5] While Illica did efforts to create a Japanese atmosphere citing references to shamisen, kamuro and Edo’s Shimonoseki market, he had no truly interest in recreating an authentic Japanese environment. Moreover, the decision to name his leading characters with the Japanese most known cities at that time, Osaka and Kyoto, rather than give them credible Japanese names, and the pronunciation富士山(Fujisan) as “Fujiyama”, could be confused with ignorance and offhand gesture. However, it could be suggested that the writer, who travelled to Japan, although he was not a specialist, knew some basic aspects of Japan. That is why Mallach consider the choice as a deliberate reminder that Iris’s Japan is symbolic, metaphorical land, not to be confused with the real thing[6], considering also that originally the opera’s title was The Japanese girl (La Giapponese). Mascagni as well turned on into the study of Japanese music determined to reproduce with music the Land of the rising sun’s colors. His words reflect his ardor in the work of the opera: “I have had typical Japanese music up to here…I am thoroughly Japanesed (sono tutto ingiapponesato). [..] I have studied that type of music a great deal, and I believe that I’ve caught its spirit[7]”. He also had the chance to see and touch Japanese instruments he had never seen before from the collection of Kraus, an Australian writer interested in Oriental studies. He came out of there “with head on fire, with heart full of a strange emotion. […]. I know that in front of that splendid mass of Japanese instruments I glimpsed something grand, solemn, that won me over completely (25 October 1897)”.[8] However, his interest in Japanese music was limited to the creation of musical color reflected in the entrance of the puppet show in the first act and the opening of the second, where violin, flute and harp conjure up a mysterious oriental air, using the shamisen only as a visual decoration. There are no precise statements about it, but it can be assumed that the goal of Mascagni was to make the viewer feel unusual appearances as peculiar timbre of what is geographically distant from the Western audience, to involve him in the world where the small Iris lives. Other Japanese elements present in the opera are the gidayu (the style of chanting with shamisen) used in the puppet show section, and the nagauta (traditional Japanese music which accompanies the kabuki theater) as accompaniment for dance that makes use of a flute and three drums. But even in these cases there is not a realistic transposition of traditional Japanese music and culture because, despite the melodic idea and its treatment are well managed, no geisha would never dance the waltz acted from Beauty and the Vampire in Mascagni’s opera, not only out of shame but also because the ternary division was unknown to the Japanese at that time.[9]

It can be assumed than that setting the opera in Japan served many purposes considering that to Europe of XIX century, Japan was still more an imaginary and mysterious land that part of the modern world. That exotic setting allowed to make the story free of realistic associations and audience to free the imagination. This was probably a response to industrialized world’s censorship and permitted the downplaying of violence and struggle against the status quo. The intent of Opera composers was to move their audiences’ sensibility, make them reflect on the illusions and deception of the world they lived in. The exoticism metaphor of reality satisfies the double need of distancing while sending back to audience a reflection of their society problems and conflicts.[10]

From the reports of the time it seems that this aim has been achieved since audience (composed by all social classes), in contrast to critics, acclaimed the opera despite having been confused by the last act, with strange and far from western classical melodies atonale note. Iris soon won a substantial following in Italy and in Latin America, where Italian Opera was already well-known and where Italian artists, singers went in search of new fortune.  Although the conservative audiences of fin de siècle was captivated by a new and different opera, to today’s audiences it clearly belongs to its time and place, no longer part of the Italian repertory.

In Japan Iris is still today almost unknown, set up for the first time in 1984 and few others representations in 2008 and 2011, with the intent to give credit to Belle Époque Italian’s opera but with an almost different result as the original one presents many recited parts in Italian language which Japanese artists struggle to memorize.

Concluding this analysis, it can be said that Iris loses its value if taken out from its historical and social context in which this opera represented symbolically a visionary and imaginary world (as Japan was considered in XIX century with its many cultural cliché) that became real first of all in the minds of audience, consisting of people who want to share new ideas and social models.


[1] Si bemolle –

[2]Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator), “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993, p. 79.

[3] Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator), “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993.

[4] Cf. Arthur Groos, “Cio-cio-san and Sadayakko: Japanese music-theater in Madama Butterfly”, Monumenta Nipponica, Vol. 54, N.1 (Spring, 1999), pp. 43-44.

[5] Cf. Alan Mallach, Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 124-125.

[6] Cf. Alan Mallach , Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 125-126.

[7] Cf. Allan Mallach, Pietro Mascagni and his Operas, UPNE, 2002, pp. 114.

[8] Cf. Michele Girardi, Esotismo e dramma in Iris e Madama Butterfly, Atti della giornata di studi (Viareggio, 3 agosto 1995), Lucca, Pacini, 1996, pp. 37-54.

[9] Cf. Michele Girardi, Esotismo e dramma in Iris e Madama Butterfly, Atti della giornata di studi (Viareggio, 3 agosto 1995), Lucca, Pacini, 1996, pp. 37-54.

[10] Cf. Gilles de Van, William Ashbrook (translator) , “Fin de Siècle Exoticism and the meaning of the Far away, in Letteratura, musica e teatro al tempo di Ruggero Leoncavallo, Sonzogno, 1993.


Il corpo e il tempo di chi?  ~ Mayumura Taku 眉村 卓

Mayumura Taku è il nome d’arte di Murakami Takuji, scrittore di romanzi di fantascienza e narrativa per ragazzi, nato a Osaka nel 1934.  Può essere considerato in alcuni sensi come un autore di transizione, che getta un ponte tra la “vecchia scuola” della fantascienza giapponese, con la sua dipendenza dalle metafore e dai temi della fantascienza anglo-americana, e la “nuova scuola” degli autori che, negli ultimi anni ’60, cominciano a staccarsi dai modelli occidentali e dare risalto al punto di vista giapponese sul mondo post-industriale.

Dopo essersi laureato in economia lavorò per sei anni in una ditta di produzione di ceramica, periodo durante il quale Mayumura cominciò ad interessarsi alla letteratura di fantascienza, quando la Hayakawa Shobō e la Kōdansha pubblicarono delle serie di traduzioni di romanzi di questo genere. Si cimentò contemporaneamente nella scrittura con brevi racconti con i quali partecipò a vari concorsi indetti dalle riviste commerciali di letteratura, tra cui lo SF Magazine. Mori Masaru, l’editore, lo introdusse nel 1960 allo SF Fanzine Uchuu-jin (宇宙塵 – Polvere cosmica) (il primo Fanzine in Giappone, creato nel 1957) per il quale cominciò a pubblicare storie in quasi tutti i numeri. Successivamente entrò a far parte anche della rivista di Yasutaka Tsutsui, Null.

Nel 1961 vinse il premio per la miglior storia al primo concorso Kuusou-Kagaku Shousetsu (空想科学小説), poi rinominato Hayakawa SF Contest, con il racconto “Kakyuu Idea-Man “ 下級アイディアマン,  pubblicato lo stesso anno sullo SF Magazine.

Nel 1963, dopo aver pubblicato il suo primo romanzo di fantascienza “Moeru Keisha” 燃える傾斜, decise di abbandonare il lavoro alla ditta e si dedicò completamente alla scrittura.

Nel 1979 vinse il settimo premio per la letteratura Izumi Kyōka e il premio Seiun con il romanzo “Shōmetsu no Kōrin – La scomparsa dell’aureola” 消滅の光輪, una delle storie contenute nella serie Shiseikan. Questa serie di storie collegate, iniziata con Hono’o to Hanabira nel 1971 e che comprende due collezioni e due romanzi, presenta un lontano scenario futuristico in cui i terrestri costituiscono una Federazione Terrestre nello spazio, colonizzando numeri sistemi stellari e i loro pianeti. All’inizio i pianeti sono dominati da governi militari, ma successivamente il governo federale comincia ad inviare amministratori civili che hanno il compito di mediare le dispute e gestire i disastri delle colonie su altri mondi. La caratteristica di questo lavoro è la prospettiva “interna” del racconto, per cui Mayumura posiziona i protagonisti in un teso confronto tra le forze rivali del sistema burocratico e dell’individuo. Questo tema può essere considerato come un riadattamento del costante drammatico conflitto della società giapponese tra giri (dovere) e ninjō (emozioni). Fin dalle sue prime storie, influenzate dalla fantascienza dei romanzi d’oltreoceano, Mayumura scrisse per mettere in risalto aspetti della società e dell’individuo, e sviluppò la sua teoria dei “membri della SF”. Continuò a lavorare su questo tema in tutta la sua produzione, esaminando il ruolo dei membri considerandoli la macchina motrice per cambiare un’organizzazione (o l’intera società) e i conseguenti conflitti tra organizzazione/società e individuo, soprattutto nella serie “Shiseikan – Administrator”. Nel 1996 vinse il suo secondo premio Seiun con il monumentale “Hikishio no Toki”, pubblicato in 5 volumi, che conclude la serie Shiseikan. Mayumura raggiunse il suo picco di creatività intorno agli anni ’90 quando portò a compimento sia la serie di Shiseikan che quella di “Futeiki Esper” (iniziata nel 1988 e composta da otto volumi che narrano le vicende di famiglie nobili che usano soldati “psichici” per i loro giochi di potere) e quando rallentò la produzione di racconti brevi e scrisse il romanzo sul viaggio nel tempo “Carthago no Unmei” (Il destino di Cartagine) (1990-1997) in cui i ricercatori giapponesi osservano l’ascesa e la caduta di Annibale, e comparano il suo destino a quello del Giappone nella seconda Guerra Mondiale.

Tuttavia, in Giappone è conosciuto principalmente per la sua produzione di letteratura di fantascienza per ragazzi con storie sui viaggi nel tempo che catapultano i moderni teenagers in periodi storici che si ritrovano a studiare a scuola, come “Nerawareta Gakuen”, trasposto nel 2012 anche in lungometraggio di animazione.

Soprattutto in questi lavori si vede l’influenza di Yasutaka Tsutsui, con l’intento dell’autore di creare un continuum con la sua produzione e staccarsene gradualmente. Numerosi altri romanzi sono stati adatti in serie animate, lungometraggi e film come Manie-Manie Meikyu Monogatari e Toki no Tabibito -Time Stranger.

Nonostante nei lavori di Mayumura sia predominante il richiamo alla sua esperienza di “salaryman” in satire che riconcepiscono i nuovi coraggiosi mondi della fantascienza come una routine dei noiosi incontri d’affari e dell’opportunismo politico, è altresì presente un forte senso di romanticismo, come dimostra “Fnifmum”, un racconto breve sullo stile delle “Cosmicomiche” di Calvino che presenta delle istantanee di una coppia di umani sbarcati in un luogo sconosciuto nello spazio, destinati probabilmente a diventare l’Adamo ed Eva della loro nuova casa. Il racconto, però, si apre con la descrizione di una creatura la cui durata della vita è misurata in eoni (unità geocronologica superiore alle ere) e le cui fattezze non sono ben definite, ma dotato di un organo sensorio grazie al quale riesce a percepire i suoni e i movimenti. Esso si trova probabilmente in qualche punto dello spazio da dove riesce a vedere le rocce e il mare di un pianeta indefinito. Muovendo l’organo sensorio lungo tutto il suo corpo, Fnifmum riesce a “vedere” nel tempo ogni volta che lo desidera. Anche questa volta, come aveva già fatto, riguarda le immagini della grande battaglia spaziale combattuta ere ed ere precedenti dai Pultera e Cakyo, due razze di una popolazione di chissà quale pianeta. Stanco di rivedere per l’ennesima volta le stesse scene (che tra l’altro gli provocano dolore al corpo alla coordinata temporale dell’esplosione dell’ultima bomba, tanto da affermare che “se fosse stata poco più potente il suo corpo avrebbe potuto lacerarsi in quella coordinata temporale”), decide di rivolgersi a coordinate temporali più piacevoli, ricordandosi di Honycominah, creatura (di genere femminile) del suo stesso phylum (genere, tipo: gli organismi dello stesso phylum hanno un piano strutturale comune, non necessariamente evidente dalla morfologia esterna) con cui in passato era entrato in contatto.  Nel racconto viene spiegato che quando l’organo sensorio stabilisce un contatto con un altro e lo trova affine, avviene, attraverso la superficie corporea, uno scambio fra i geni immagazzinati negli organi stessi, dando vita a una diramazione nella linea temporale, chiamata “figlio”, con cui le creature originarie però, non hanno alcun contatto.

Fnifmum è cosciente del flusso temporale all’interno del suo corpo e del fatto che non scorra in modo naturale come quello esterno da cui è indipendente, così come lo è rispetto alle coordinate temporali delle altre creature. Quando tenta di stabilire il contatto con Honycominah, tornando al passato più remoto delle sue coordinate, non riesce a trovarla e capisce che è cresciuto oltre quello spazio temporale: “aveva continuato a crescere dal momento in cui era stato consapevole di se stesso. Dapprima era un ragazzo di 5 o 10 anni. Ora era lungo duemila anni. La crescita non avveniva a entrambe le estremità del corpo”.

È come se il suo corpo fosse una molla che dal passato viene spinta verso il futuro e quando viene lasciata la distanza dal passato aumenta, mentre quella dal futuro si accorcia. Come accade per la molla, la cui velocità dipende dalla forza che si impiega per tenderla, la crescita di Fnifmum verso il futuro rallenta se l’energia vitale diminuisce. Alla fine, man mano che l’estremità passata si accorcia verso l’estremità futura, sia il corpo che la mente sono destinate a collassare nel nulla.  Così il suo corpo ha ormai oltrepassato Honycominah, che è più giovane e nonostante ne sia stato consapevole fin dall’inizio non può fare a meno di rammaricarsi e provare un gran senso di vuoto, tanto da perdere quasi il controllo del suo organo sensorio. Apatico e senza più alcuna prospettiva, decide per la prima vota di esplorare l’estremità futura del suo corpo, spinto dall’istinto di conoscenza di tutte le creature viventi, e oltrepassando la coordinata temporale futura di cui aveva memoria si accorge di essere cresciuto in maniera costante e senza perdere forza, sollevato dal fatto che abbia ancora molto tempo da vivere. Muovendo l’organo sensorio verso l’esterno, ad un certo punto vede muoversi qualcosa di strano nel cielo in cui brillano due soli. Si tratta di una navicella spaziale che atterra vicino a Fnifmum. Dalla navicella escono due esseri che Fnifum vede per la prima volta e che descrive come due palle trasparenti, ciascuna sorretta da una colonna, con due paia di arti e dalle mentalità vacillanti. Sempre attraverso il suo organo sensorio riesce a carpire i processi mentali più forti e a comprendere la situazione in cui si trovano due creature che capiamo essere degli umani. Sono un uomo e una donna che tentano forse di sfuggire a una qualche guerra in atto nello spazio e che si credono spacciati su un pianeta dove non c’è ossigeno. Neanche il “meccanismo temporale” che gli permette di viaggiare nel tempo e nello spazio gli può bastare per sfuggire ai cosiddetti Ricognitori delle Truppe Spaziali. Decidono comunque di tentare l’unica possibilità che hanno e con un salto nel futuro raggiungere un punto “laggiù” dove si vede il mare e dove forse ci sarà ossigeno. Intanto Fnifmum percepisce la coppia di umani nel suo stesso flusso temporale, lungo il suo corpo, e ad osservarli sperimenta una nuova piacevole sensazione e un nuovo sentimento di simpatia, diversi da quelli provati quando era entrato in contatto con Honycominah. Fnifmum tenta di vedere nel lontano futuro per sapere come saranno i due umani, ma non potendo andare oltre l’estremità futura del suo corpo, è costretto a fermarsi e aspettare di crescere fino ad arrivare nel loro futuro. Così, nell’attesa, si addormenta.

*Questo e altri racconti di fantascienza della letteratura giapponese si possono trovare in “La leggenda della nave di carta”, AA.VV., Edizioni Fanucci, 2002.

In più per approfondire:

Speculative Japan: Outstanding Tales of Japanese Science Fiction and Fantasy, Gene van Troyer, Grania Davis, Kurodahan Press, 2008.

Robot Ghosts and Wired Dreams: Japanese Science Fiction from Origins to Anime, Christopher Bolton, Istvan Csicsery-Ronay Jr, Takayuki Tatsumi, University of Minnesota Press, 2007.


  1. はじめに




  1. 季節の分別

細かい季節変化が毎年繰り返され、 悠久の時を過ごすうちに人々は二十四節季七十二候という季節の変化を暦という分別で微妙に言い表す素晴らしい知恵を生み出した。



  1. 季節による日本人の変化

3.1 生活に影響



3.2 気持ちの変化


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Hotaru matsuri – Yokohama, 2015.24.06  (自分で撮った写真)

3.3 季節ごとのお祭り


  1. おわりに


[i]  三浦康子「暮らし歳時記」 最終アクセス2015年7月11日

[ii] CLE SYNTHETIC LABORATORY CO.,Ltd.「CLE総合研究所」 最終アクセス2015年7月11日

Nakayama Uri / Hotaru


Suzuki S. (author), Chadwick D. (translator) (2011) Zen Mind, Beginner’s Mind, Shambhala, Boston

CLE SYNTHETIC LABORATORY CO.,Ltd.「CLE総合研究所」 最終アクセス2015年7月11日

小泉信夫 (1999-2009) 「自然大好き!」 最終アクセス2015年7月11日

三浦康子「暮らし歳時記」 最終アクセス2015年7月11日

風鈴の音色 ~ I colori del vento

Luglio sta per terminare, l’estate giapponese invece è appena iniziata. I ragazzi si preparano per i 夏合宿 (natsu gasshuku), i campi estivi dei propri club universitari. Dopo un altro semestre di studio matto, tra una pennichella e l’altra in biblioteca, finalmente è arrivato il momento di divertirsi (senza dimenticare però le attività dei club :P) e di stringere amicizie condividendo il tempo insieme, facendo le stesse esperienze al di fuori della scuola.

Io invece, che ho abbandonato i club a cui mi ero iscritta ormai da diveri mesi, mi preparo ad un altro viaggio più lungo. Intanto però mi godo i suoni, gli odori e i colori di un’estate umida, scandita dal canto delle cicale a volte troppo assordante. Gli ombrelli trasparenti fanno posto ai ventagli di plastica riposti accuratamente in un cestino davanti ai negozi. 「ご自由に取ってください」(Go jiyū ni totte kudasai) – “Prendeteli liberamente”. L’efficienza e l’accorgimento per le piccole cose che però possono cambiare il corso della giornata (pensate al caso in cui state smoccolando appena usciti dalla stazione e vi accorgete di non avere alcun oggetto simile a un pacchetto di fazzolettini. Ecco che arrivano gli omini e le donnine vestiti di rosso, giallo o in elegantissimo completo, pronti a soccorrervi con pile di fazzolettini!) non finiranno mai di stupirmi in questo Paese.

Uno dopo l’altro si susseguono i 祭り(matsuri), i festival che celebrano fiori, animali, tradizioni. Ho aspettato trepidante l’estate per questo. Tra danze e campane del vento cammino tra la gente e gli stand di yakisoba, yakitori, dolci vari che mi investono e mi attirano col fumo dei cucinotti in azione. Nel weekend il 盆踊り祭り (Bon odori matsuri), la festa della danza per gli spiriti. Di regione in regione, musiche e movimenti diversi vengono eseguiti per rendere omaggio alle anime degli antenati che vengono a fare visita ai loro cari in questi giorni particolari. Ci vado con la mia “ホームビジットの母”, una dei tanti volontari che accettano nelle loro case dei giovani stranieri in cerca di identità culturali diverse dalle loro. Lei e le altre simpatiche signore tentano di farmi partecipare alla danza, ma si arrendono all’evidenza della mia totale incapacità a muore un passo senza rendermi ridicola XD Intanto (era il 18 Luglio) nei cieli di Tokyo compare all’improvvviso un arcobaleno, e poi due. Due grandi semicerchi dalle sfumature inconfondibili fanno da cornice ad un tramonto senza più pioggia, abbracciando l’intera città. Per fortuna ci si dimentica della mia goffaggine e tutti alziamo lo sguardo al cielo, godendo con tutti i sensi di un pomeriggio di festa, mentre i taiko scandiscono il ritmo dei battiti del cuore.

Niji above Tokyo

Non mi fermo, e il giorno dopo faccio visita a due templi per uno dei miei festival preferiti: il 風鈴祭り(fūrin matsuri), la festa delle campanelle che tintinnano al vento. E’ il suono dell’estate, di un’estate giapponese che ho sempre sognato.

La storia dei fūrin risale ai tempi dell’antica Cina, dove venivano utilizzati dagli indovini per predire la fortuna in base alla direnzione del vento e al suono che producevano le campane. In Giappone la loro funzione è cambiata e venivano appese ai quattro angoli dei templi per scacciare gli spiriti cattivi. Quando diventarono popolari cominciarono ad essere prodotti in diversi materiali e forme. Uno dei più comuni diventò il vetro, diffusosi da Nagasaki quando gli stranieri insegnarono la tecnica di lavorazione di questo materiale ai giapponesi.  (fonte: Al giorno d’oggi non solo i templi, ma le case e i negozi sono adornati con tante di queste campanelle dal suono nostalgico e rilassante, diventando uno dei simboli dell’estate giapponese.

Vado alla loro ricerca e internet e il mio istinto mi portano molto lontano da casa mia, dove c’è lo Ikegami Honmon-ji, complesso buddhista della setta Nichiren, dove si dice che Nichiren stesso sia morto. In questo luogo per pochi giorni 500 campane in gisa si lasciano accarezzare dal vento, raccontando storie silenziose ai visitatori. Nel primo pomeriggio il tempio è tranquillo, pochi giapponesi che passeggiano senza fretta e io, l’unica straniera come spesso accade in posti poco conosciuti e lontano dal centro. DSC_9827Ero ancora a testa in sù incantata dalle campane quando si avvicina una piccola signora con in testa un cappello a visiera rigida. Mi parla in inglese, con timidezza ma coraggio. Le rispondo in giapponese e le si stampa un largo sorriso sul viso. E’ una guida del luogo, volontaria (non è raro incontrarle in Giappone. Anche a Nara, nonostante la pioggia battente ne ho incontrata una). Ho tempo, decido di farmi guidare da lei e scoprire qualcosa in più di quel luogo. Mi porta a visitare la Soshi-dō, la sala principale, dove si trova una piccola statua di Nichiren, poi alla Pagoda a 5 piani e al Tahōtō, lo stupa rosso costruito per conservare le ceneri del monaco. Rimango a guardarlo per un pò, affascinata dalle forme bombate che prendono le distanze dal resto del complesso. Si dice infatti che sia l’unica struttura di questo genere in Giappone. Osservo e ascolto. La guida parla, mi spiega e continua a meravigliarsi di me occidentale interessata al Buddhismo e alla sua storia. Mi parla come se fossi del luogo, chidendomi di cose che non posso sapere e si scusa perché a parlare così liberamente si era dimenticata che non fossi giapponese. Sorrido e dentro di me cresce un pò di orgoglio. A volte basta poco per sentirsi vicini, basta ascoltare e saper capire. Altre volte invece i cuori sono così lontani che non bastano parole né silenzi per legarli.

Mi allontano dalla quiete dello Honmon-ji per recarmi un pò più a Nord, al Kawasaki Daishi, dove le campane non sono 500 ma molte molte di più, così come la gente! E’ un tripudio di suoni e di colori, un bazar di sogni dove ognuno può scegliere il suo, che può essere uguale agli altri nella forma, ma la sostanza è intrisa della personalità di ognuno. Tante coppie di giovani giapponesi in yukata che scelgono con pazienza il loro fūrin, toccandoli leggermente col dito per sentirne i suoni e dare via al concerto.


Anche per quel giorno il sole comincia a spegnersi dientro il cancello che dà accesso al tempio. La gente continua a passeggiare mentre io mi allontano con un sogno da riempire con la mia esistenza.

Il mio vicino di casa…Totoro! ~ 私の隣の…トトロ

I have been a fan of Miyazaki and his characters since I started to be interested in Japan years and years ago. My favorite was Totoro. That big friendly kind of bear with big teeth, not for eating better but for smiling better, always came to my mind as guardian of nature and human beings. I couldn’t never imagine that one day I would meet him for real, and that I would live not far from his “house” and even more, I couldn’t imagine that it would be in Tokyo.

From the last six months, in the rush of every day, no matter what would happen, the first “good morning” I say is to Totoro. My silent unchanging friend would be at the same place at every time, waiting for me and other thousands people who came to visit his world.

This is the Tokyo where I found a refuge from the no more unreal caos of a city that never sleeps. 


心の琴線に触れる (kokoro no kinsen ni fureru) ~ ”Toccare le corde del cuore”

Interrompo i miei viaggi in questo blog per fermarmi a godere della bellezza della primavera che ormai si è vestita dei suoi abiti tradizionali qui a Tokyo. Probabilmente tutti gli appassionati di Giappone, ma non solo, conosceranno la pratica dello hanami: letteralmente “guardare i fiori”, una pratica che ha origini antichissime risalenti a più di 1000 anni fa e che durante il Medioevo giapponese ha preso le caratteristiche che conserva ancora oggi, seppur mutuate dai cambiamenti storici e sociali. Forse al giorno d’oggi molti giapponesi non amano il periodo dei ciliegi in fiore, perché a fine giornata i parchi si ritrovano sommersi da resti di cibo, teloni, buste e bottiglie, ma, appunto, i parchi sono sempre pieni fino a notte fonda.

Si festeggiano allegramente questi sakura, gli si rende omaggio come se fossero dei. Infatti, alcune teorie associano i ciliegi, che erano alberi esclusivamente di montagna, alla divinità delle montagne, che discendeva tra i campi di riso seduta su un petalo di fiore di ciliegio, diventando così la divinità delle risaie, che proteggeva e assicurava un buon raccolto. Al fiorire dei sakura i contadini si preparavano a piantare i semi di riso e offrivano alla divinità cibo e sake come segno di ringraziamento. (fonte: Kamikaze, Cherry Blossoms, and Nationalisms Di Emiko Ohnuki-Tierney)

Al significato di prosperità e fortuna (della tradizione shintō), si aggiunge quello buddhista della transitorietà della vita: 無常 (mujō) – tutto è mutevole, impermanente, come i fiori di ciliegio che esplodono di vita in pochi giorni per poi lasciarsi trasportare delicatamente dal vento verso un’altra esistenza, nella terra, nell’acqua, nell’aria. Nel breve corso della loro vita non sono mai eccessivi; delicati e perfetti non fanno rumore, eppure si fanno sentire. L’ho capito vivendoli davvero per la prima volta. Non si può rimanere indifferenti difronte alla bellezza dei loro colori, delle loro movenze leggere che le geisha tentano di riprodurre nelle loro danze.

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Mitaka Shinkawa

Una persona mi ha detto che i giapponesi diventano nostalgici quando i petali cominciano a cadere. “Toccano le corde dei loro cuori”. Un’altra persona mi ha detto che i giapponesi sono timidi, amano trasmettere i loro sentimenti attraverso le emozioni, senza troppe parole (感情に出したり本当の気持ちを言わないことが美しいと考えられています), un’altra ancora mi ha detto che i giapponesi sono sempre gentili. Io aggiungo che sono delicati, nella forma delle mani affusolate, negli occhi neri che stridono e si uniscono al bianco delle mascherine come lo yin e lo yang, nel silenzio all’interno dei treni nonostante l’ora di punta, nelle passeggiate domenicali di giovani coppie e famiglie a bordo delle loro bici semi-motorizzate in grado di trasportare fino a 3 bambini.

Inokashira kōen
Inokashira kōen

Così mi rendo conto che Sakura è tutto quello che è giapponese, nella sua unicità e difficile comprensione. Nell’imperfezione di ogni singolo fiore c’è la perfezione dell’attimo in cui tutto è al suo posto, è così perché così deve essere.

“One more time, one more chance” ~ ♪

一期一会 – Parte 2(a)

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Osaka 2014  (Foto su Flickr)

26-30 Dicembre 2014 大阪、神戸 – Ōsaka, Kōbe Dopo la magia del mistico Kōyasan, arrivo nella vivace Ōsaka, fin da tempi più antichi capitale commerciale del Giappone. Where_is_Osaka La differenza con la capitale vera e propria è subito percepibile, a cominciare dal lato per salire le scale: nella città del Sud ci si mette in fila sulla destra o non si sta proprio in fila! Questo “adattamento” alle usanze occidentali avvenne quando fu scelta come sede per l’Expo 1970 (日本万国博覧会 Nihon bankoku hakuran-kai), la prima esposizione mondiale mai tenuta in un paese asiatico. Con i suoi 2.6 milioni di abitanti, ospita il 15,6% di tutti i non-giapponesi residenti in Giappone. Ricca di storia, cultura e tradizione culinaria, Ōsaka rappresenta ancora un’importante meta per giovani e non. Il mio tour inizia dalle vicinanze dell’Hotel Taiyo, a due passi dalla fermata metro Dōbutsuen mae, non molto lontano dalla Tsūtenkaku Tower(通天閣), la “Torre che tocca il cielo”, conosciuta tra gli abitanti come la “Naniwa’s Eiffel Tower” (Naniwa è uno dei 24 quartieri), simbolo della città originariamente progettata e costruita sul modello della Tour Eiffel nel 1912, ma distrutta da un incendio nel 1943. Poco più di 10 anni dopo venne inaugurata la nuova struttura a forma ottagonale. Al quinto piano è esposta la statua di Billiken, personaggio ideato nel 1908 dall’illustratrice americana Florence Pretz a seguito di un suo sogno. Da sempre questo elfo dal sorriso malizioso (ride o è arrabbiato?!) è conosciuto come il “Dio delle cose come dovrebbero essere”. In Giappone la prima e la più famosa rappresentazione del Billiken fu situata nel 1912 nel Luna Park di Shinsekai a Ōsaka.. Divenne un popolare souvenir del parco, rappresentato in forma di bambola e manju (morbido dolce ripieno di pasta rossa). Quando il parco venne chiuso nel 1923 la statua lignea del Billiken andò perduta.Quella che oggi si trova nella Torre dal 1980 è solo una replica. Faccio un giro al Tennōji Park, che purtroppo trovo in stato di simil-abbandono per via dei lavori in corso, e camminando lungo la Tanimachisuji street arrivo quasi al tramonto allo Shitennōji 四天王寺 (Il tempio dei Quattro Re Celesti), uno dei complessi di templi buddhisti più antichi del Giappone, fondato nel 593 dal Principe  Shōtoku , che supportò l’introduzione del Buddhismo nel Paese. Come per la maggior parte dei templi, anche questo fu distrutto più volte nel corso dei secoli da vari incendi, ma venne ricostruito sempre secondo il modello originale. L’entrata del Gokuraku-jodo Garden è a pagamento, ma essendo arrivata tardi non ho potuto accedervi.       Sito ufficiale: Mi perdo per le strade illuminate di Namba 難波, prima di raggiungere Dōtonbori 道頓堀, storicamente distretto teatrale e oggi meta notturna più amata dai turisti, via che si estende lungo l’omonimo canale. La gigantesca insegna animata della “Glico”,che rappresenta l’immagine di un uomo vittorioso che raggiunge il traguardo, è considerata uno dei simboli della città. Con i suoi locali che si affacciano sul lungofiume fa venire in mente lo scenario di una città francese in versione supertecnologica, e poco ci si stupirebbe se all’improvviso da lontano si distinguesse il suono di una fisarmonica. Sulla via del ritorno, attraversando Ebisubashi-suji Shopping Street, mi impressionano le insegne 3D dei ristoranti, con granchi e draghi giganti pronti ad accoglierti nelle loro dimore (per mangiar(ti)li meeeglio!). Il giorno seguente inizia prestissimo la maratona di musei e luoghi d’interesse sfruttando l’Osaka Amazing Pass di un giorno (2300 yen), che mi dava accesso a qualsiasi mezzo, entrate gratis ai musei e svariati coupon per cibo e shopping. Prima di raggiungere lo Ōsaka-jō 大阪城, il castello della città (situato a Nord-Est), sbagliando strada riesco a vedere per caso la City Central Public Hall (vicino la stazione di Naniwabashi, un po’ più a Ovest). Il Castello risale al 1583 (anche se incendiato e ricostruito più volte), fatto costruire da Toyotomi Hideyoshi, nell’area dove prima sorgeva il tempio di Ishiyama Hongan-ji, distrutto dall’armata di Oda Nobunaga. Oggi l’interno ospita un museo relativo alla storia della città e del castello e dall’ultimo piano (l’8°)si può godere una magnifica vista di Ōsaka a 50 m di altezza. All’uscita del parco del Castello, attraversando la strada ci si ritrova il Museo di Storia 大阪歴史博物館。Se pensate di non entrarvi per paura di annoiarvi, sbagliate di grosso. Il viaggio nel tempo inizia dal 10° piano, dove si può camminare nella parziale ricostruzione in scala reale del Daigokuden, antico palazzo del periodo Nara, insieme ai suoi funzionari e alle sue cortigiane. Si atterra al periodo Edo, grazie alla guida del burattino del teatro Bunraku e a quella dei volontari che sono felicissimi di approfondire la storia – in giapponese – e insegnarvi a giocare al Tōsenkyō 投扇興, il lancio dei ventagli. Il gioco, che risale al XVIII sec. circa, consiste nel colpire un bersaglio a forma di foglia di albero di Ginko (chō = farfalla), posto su un piedistallo di legno chiamato makura (= cuscino). Il giocatore si siede in ginocchio ad una distanza di circa 1 metro e lancia il ventaglio (ōgi). I nomi di farfalla e cuscino derivano dal fatto che il gioco sarebbe nato per opera di un giocatore d’azzardo di Kyoto, che, disturbato durante il sonno da una farfalla che persistentemente svolazzava intorno al suo cuscino, tentava di allontanarla lanciandole contro un ventaglio. Per saperne di più: Qui un video con sottotitoli in inglese: Scendendo ci si immerge in un vero e proprio sito archeologico, dove grandi e piccoli si divertono a risolvere enigmi, scoprire reperti e completare progetti. Ancora più giù si può ammirare il panorama della città del XIX-XX sec. Penultima tappa del giorno al Sakuya Konohana kan Botanic Garden ,  allo Tsurumi Ryokuchi Park, molto più a Est del Castello. Ne è valsa la pena: con circa 15.000 piante di 2.600 specie da tutto il mondo, questo giardino offre l’opportunità di imparare la magnificenza della natura e le sue differenze. Anche qui ho incontrato una guida: una simpatica giardiniera che mi ha spiegato la particolarità della Plinia caulifora (Jabuticaba), albero originario del Brasile, i cui fiori (bianchi) e frutti (bacche generalmente nere), molto delicati e dalla vita breve, crescono direttamente sul tronco. Raccontandomi di tutte le specie di Hibiscus presenti nel giardino, mi ha trasmesso tutto il suo amore per quelle piante e tutta la dedizione e la pazienza che ci mette, insieme agli altri dipendenti, per farle crescere sane e belle. La specie dai fiori gialli, mi è stato detto, è stata trapiantata per talee e per fiorire ci ha impiegato parecchi anni. Dal vivo si potevano riconoscere i rami e le foglie più giovani, più grandi rispetto a quelle più vecchie. Un’altra pianta che ha catturato la mia attenzione è stata la Chorisia speciosa (o Ceiba speciosa): un albero originario dell’Argentina, dal tronco rigonfio nella parte inferiore e dotato di grosse spine coniche. I frutti contengono un simil-cotone, che in realtà è una fibra bianca nota come “falso kapok”, che viene utilizzata per realizzare imbottiture (fonte: Wikipedia). In serata mi sono goduta la vista della città notturna dal Floating Garden Observatory , un grattacielo alto 173 m, che offre una vista a 360°, anche a cielo aperto, su una piattaforma illuminata, pensata per le coppiette che vogliono trascorrere un momento romantico tra stelle e luci. image Guardare il mondo dall’alto è una cosa che ho imparato a fare in Giappone. Vedere la fitta ragnatela di ferro e luci, sentire il cuore della città che pulsa. Vedere quello che quei piccoli animali chiamati “umani” hanno costruito nel tempo. E sentirsi piccoli, piccoli come insetti che si affannano nel gioco dell’illusione chiamata vita. ∧_∧ (。・ω・。)つ━☆・。 ⊂   ノ    ・゜+. しーJ   °。+ *´¨) .· ´¸.·´¨) ¸.·¨) (¸.·´ (¸.·’